Title: La música académica del siglo XX
Course: Educación Musical - 3° C.B. > Section: Módulo V - Música Académica del siglo XX

Recursos bre la música académica del siglo XX.

Introducción

El siglo XX marcó una importante diferencia con los siglos anteriores en lo que tiene que ver con la aparición de nuevos caminos creativos en todas las ramas del arte.

La fotografía, las grabaciones de sonido y de imagen, la tecnología aplicada a los instrumentos musicales, entre otras cosas, permitieron, desde fines del siglo XIX y sobre todo en el transcurso del siglo XX, que los artistas pudieran experimentar y crear a partir de nuevos recursos y con una libertad que no tuvieron creadores de siglos anteriores.

Tomando el comentario del destacado musicólogo uruguayo Coriún Aharonian, “no existe la creación desde cero”, podremos observar en el detalle de los capítulos que integrarán este material, cómo las nuevas corrientes musicales que se generarán durante el siglo XX, tendrán la referencia de las composiciones antecesoras a lo cual se le sumarán las búsquedas de nuevas estéticas y nuevas sonoridades.

Las innovaciones musicales del siglo XX conmovieron a fondo la música, porque en el mundo moderno los músicos crearon nuevos lenguajes musicales.

En particular, nos ocuparemos de lo que llamaremos música académica, lo que habitualmente se le denomina  ”música culta”, y que tiene que ver con lenguajes aprendidos y desarrollados en ámbitos formales de la educación musical. Observaremos como, más alá de la utilización de elementos innovadores, el fenómeno más general es la búsqueda  de nuevas formas expresivas.

La siguiente obra se llama "Water walk" perteneciente al músico norteamericano John Cage, quien también la interpreta en la televisión de su país.

https://www.youtube.com/watch?v=gXOIkT1-QWY

A continuación, el video muestra la preparación de un piano para otra obra de John Cage, donde se integran elementos variados a las cuerdas y la caja del mismo.

https://www.youtube.com/watch?v=kc3-C7Lnzh0

Corrientes musicales del siglo XX. Primera mitad

CORRIENTES Y MÚSICOS DEL SIGLO XX

Primera mitad del Siglo

Al  momento de iniciar nuestro recorrido por la música académica  del  siglo XX es fundamental que recordemos dos  elementos fundamentales  a los cuales ya hicimos referencia en la introducción.

Los cambios musicales generados durante el siglo XX  están relacionados con los cambios y problemas que tiene la sociedad de la cual surgen.

Los grandes cambios no se producen de un día para otro. Todo se da a partir de procesos. Siempre existen obras que anticipan alguna de las líneas que van a estar muy destacadas en los años siguientes.

En todas las épocas de la Historia, los artistas acuciados por sus necesidades expresivas están siempre a la búsqueda de nuevas maneras de concebir sus obras. De modo tal que, con los mismos elementos del lenguaje – las notas, las figuras, el pentagrama, los compases y las escalas –, expresan nuevos sentimientos. Pero igualmente se iniciaron búsquedas permanentes para encontrar nuevos recursos para expresar con más  cercanía o exactitud lo que se deseaba compartir.

El siglo XIX vivió una época de grandes cambios conceptuales y de mayor expresividad que la que existió en épocas anteriores pero no se alteró sustancialmente el lenguaje musical heredado.

A principios del siglo XX se da una reacción más generalizada para dejar las reglas de composición legadas por sus antepasados, por parte de los músicos académicos. Durante las primeras décadas gran parte de la música popular en América y Europa mantuvo el lenguaje cultural del siglo XIX. Los músicos del siglo XX reaccionan de diferentes maneras ante el pasado en general y ante el pasado inmediato, porque

-          No desean ser sentimentales como los románticos, son al principio de ese siglo antirrománticos y antimelancólicos.

-          Buscan utilizar escalas no europeas, de origen oriental (China, India) o muy antiguas, quieren innovar para manejar el lenguaje, se busca el infinito sonoro.

-          En la segunda mitad del siglo se da la presencia de una tecnología que se aplica directamente a la producción y transmisión de los sonidos.

A principios del siglo encontramos a varios músicos nacidos en el siglo XIX, pero que en el XX llevaron adelante procesos innovadores. Muchos elementos de ellos serán tomados en cuenta, más adelante, por algunos creadores, incluso de música popular.

Los procedimientos musicales pueden utilizarse y revitalizarse a lo largo de la Historia.

Músicos de la primera mitad del siglo XX

Músicos de la primera mitad del siglo XX

Comenzaremos con los siguientes músicos:

Claude Debussy    (Francia, 1862 – 1918, Francia)

Erik Satie             (Francia, 1866 – 1925, Francia)

Charles Ives       (EE. UU., 1874 – 1954, EE. UU.)

Igor Stravinsky  (Rusia, 1882 – 1971, EE. UU.)

Claude Debussy creó “climas sonoros”, totalmente alejados del dramatismo y grandilocuencia románticos. En su línea melódica cada nota vale por sí misma, como sonido y no en su relación de subordinación con otra. El resultado es  una indefinición tonal aunque no una postura claramente atonal. Utilizó escalas pentatónicas – 5 tonos – de origen oriental. Creó nuevos acordes, es decir, nuevas armonías.

Al escuchar  algún Preludio para piano, como “La niña de los cabellos de lino” o una obra sinfónica, como “El mar”, se podrá notar que en dichas obras no se siguen las reglas más comunes de la composición y se busca el timbre especial de cada instrumento y de cada nota.

Hay historiadores de la música y del arte en general que consideran a Debussy un músico impresionista  en relación con el impresionismo,  corriente pictórica de la época.

Aquí presentamos una interpretación de la obra "La niña de los cabellos de lino", realizada por el pianista Alessandro Drago.

https://www.youtube.com/watch?v=HcBCTjila_U

Erik Satie, lejano a la grandiosidad de los románticos, fue hacia una concepción más moderada de la música. Utiliza pocos sonidos, repeticiones, juegos, que se acercan a una concepción lúdica de la música. Escucharemos “Gymnopedie 1”

A continuación, compartiremos la obra “Gymnopedie 1” de Satie interpretada por el pianista Alexandre Tharaud.

https://www.youtube.com/watch?v=0CUhakq1q-I

Igor Stravinsky estudió en Rusia con grandes músicos. Luego se trasladó a París y se vinculó a diversos movimientos artísticos y a artistas muy importantes. Fue un músico mucho más “escandaloso” que los franceses que ya mencionamos.

En su país no estuvo de acuerdo con la estética de sus contemporáneos, ni con el sistema político soviético.

En París creó tres destacadas obras para el ballet del coreógrafo Sergio Diaghilev:

1910 – “El pájaro de fuego”.

1911 – “Petrouschka”.

1913 – “La consagración de la primavera” – Cuadros de la Rusia Pagana.

En estas obras se conjugaron varios elementos que contrastaron con lo ya establecido y aceptado por artistas y público. Las innovaciones pesaron más que la tradición y en ese momento, tanto Diaghilev como Stravinsky no fueron comprendidos.

Desde el punto de vista de la danza, estas obras presentan bailarinas que apoyan sus pies en la tierra, muchas veces descalzos, con vestuarios de gran fuerza, algunos diseñados por Picasso, y con criterios de danza diferente a la danza clásica o romántica, como por ejemplo: “El lago de los cisnes” de Tchaikovsky.

Stravinsky hizo aportes importantes a la música del siglo XX, como por ejemplo:

-          Los juegos tímbrico y rítmico son las bases sobre las que se afirma la obra.

-          No mantiene el mismo ritmo durante un mismo fragmento musical.

-          Superpone ritmos diferentes simultáneamente – polirritmia.

-          Organiza deliberadamente la melodía sin basarse en una tonalidad determinada: atonalismo, esto no posibilita el carácter sentimental.

-          En general las melodías son breves y pasa de una a otra abruptamente.

-          Concluye sus obras sin los acostumbrados acordes de finales de pieza.

A lo largo de los años, Stravisnk fue cambiando sus esquemas compositivos, interesándose por diversos estilos musicales. Así escribe “Ebonyconcert”, Concierto de ébano, basado en la música de jazz. Buscó combinaciones no tradicionales de instrumentos en pequeños grupos , trabajó en las formas clásicas ( sinfonía, concierto)  y con la voz humana, en forma muy novedosa.

Continuando con las muestras en video de los materiales comentados, escucharemos un fragmento de la obra "La consagración de la primavera", e este caso, en una interpretación realizada por el reconocido director venezolano Gustavo Dudamel, junto a la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar.

https://youtu.be/bxQT7w2A_QY

Charles Ives también asumió una posición irreverente y trabajó con los sonidos como “material sonoro”, lo que lo alejó de compositores y público muy apegados a la tradición académica europea, apoyada en la existencia de un gran teatro de ópera: el Metropolitan de Nueva York.

Abrió camino a la búsqueda de vanguardia usando piano preparado: agregando elementos a las cuerdas o teclado para conseguir nuevos timbres, como en “Majority” en 1921; o el cluster, acordes muy cerrados que tocan varias teclas de secuencia seguida, como puede hacerse con una regla; o dejando lugar al azar, lo aleatorio, dadas las diferentes versiones que se pueden hacer de una misma obra.

Compartimos una interpretación de la obra mencionada "Majority" interpretada por el barítono Robert Gardner y el pianista Eric Trudel.

https://www.youtube.com/watch?v=5tc8UhNIfio

Por la reiterada audición de la música más difundida, estamos habituados a las escalas tonales (por ejemplo: Mozart, Gardel, cumbia). Muchos músicos del siglo XX mediante diferentes procedimientos las dejan de lado.

Así el atonalismo, utiliza varias tonalidades simultáneas o cambia permanentemente las mismas.

En cualquier instrumento  se puede tocar música atonal, quitándole la importancia a las relaciones de dependencia de unos sonidos frente a otros.

El microtonalismo (distancias menores al semitono) es otro camino de búsqueda de nuevas posibilidades sonoras. Trabajaron en él: Alois Hába, Ernst Krenek y Ferruccio Busoni.

Como ejemplo compartimos la obra de Alois Haba, "Sonata para piano de cuarto de tono".

https://www.youtube.com/watch?v=s7vZURdhucM&list=PLJXwjS9OScxXbx7D32vD40Cn-Z55RXYwC

 Requiere mayor afinación y un oído más educado para percibir tercios o cuartos de tono. Hay instrumentos que pueden hacer esos intervalos: violín, viola, violoncello, contrabajo, trombón de varas y la voz.

En algunas culturas se utilizan generalmente esos pequeños intervalos: alguna música árabe, la música hindú que subdivide la escala en 22 intervalos, menores que el semitono pero mayores que el cuarto de tono. Los Beatles en “Madera noruega” de 1965 utilizan el sitar (instrumento hindú), que produce intervalos de este tipo, o sea que las innovaciones también se aplican en la música popular. El flamenco, música del Sur de España, de una zona que recibió fuerte influencia árabe, también suele “resbalarse” por los cuartos de tono.

El mayor inconveniente para emplear tercios o cuartos de tono se produce al tener instrumentos de sonidos fijos, como el piano, los instrumentos con trastes y los aerófonos con llaves o pistones. El propio AloisHába hizo construir pianos con los nuevos sonidos, pero era muy difícil adaptar la técnica habitual al nuevo instrumento.

En Viena, ciudad que ya había sido de importancia musical entre los siglos XVIII y XIX, comenzó a trabajar un grupo que le dio un nuevo giro a la música. Se les conoce con el nombre de Escuela de Viena y agrupa a los siguientes músicos:

Arnold Schönberg   ( Austria  1874 – 1951 EE. UU.)

Anton Webern   (Austria  1883 – 1945 Austria)

Alban Berg   (Austria  1885 – 1935 Austria)

Los tres fueron muy innovadores y el primero, maestro de los otros dos, dejó una rica herencia musical que atrajo a músicos de diferentes lugares y épocas, aún en Buenos Aires y Montevideo.

Veamos en qué consisten básicamente estas innovaciones.

Se trata de contar con los doce sonidos de la escala, y concebirlos a todos como de igual importancia: no hay notas más importantes que otras ni subordinadas unas a otras. Por eso se le llamó, al principio dodecafonismo:

Dodeca = doce, fonos = sonidos.

Schönberg toma los doce sonidos (los 7 de las teclas blancas y los 5 de las teclas negras) de la escala tradicional y elige el orden en el que deben aparecer sin normas preestablecidas. Una vez que aparece el primero, lo seguirán indefectiblemente los otros once en el mismo orden inicial, como si estuvieran unidos en un collar. Por supuesto que pueden realizarse todos los cambios de ritmo, dinámica y orquestación que se desee.

Una vez elegidos los sonidos y armada la serie se podrán presentar de diferentes maneras, por ejemplo de adelante para atrás y viceversa.

Así tenemos dos presencias diferentes de lo mismo.

Ejemplo simple: A R R O Z  y  Z O R R A. Son las mismas letras en sentido inverso con muy diferente sonido y significado.

Presentamos una obra de Schönberg  llamada Suite para piano Op. 25 parte II interpretada por el pianista Glenn Gould.

https://www.youtube.com/watch?v=9I8TcVx7mzY

En música aún hay dos posibilidades más: si consideramos que sobre la primera de las notas se coloca un espejo horizontal, la serie reflejada se verá diferente.

Tenemos así, básicamente cuatro modelos melódicos que se derivan del inicial.

El serialismo presenta la serie como un conjunto básico para organizar los sonidos.

El primer ejemplo en la Historia fue el dodecafonismo. Hoy existen músicas basadas en otras series, con diferente cantidad de sonidos y reglas.

Se presentan en el siglo XX diferentes propuestas musicales, que se influyen entre sí, que se mezclan (multiculturalismo) y que obligan al músico a plantearse elecciones estéticas, de medios, de lenguajes, es decir optar por diferentes corrientes musicales.

Corrientes musicales del siglo XX. Segunda mitad

Corrientes musicales del siglo XX. Segunda mitad.

En los capítulos anteriores se hace referencia a las características propias del siglo XX.
Como allí se mencionara, las posibilidades que permite el desarrollo tecnológico será
incluído en el arte y específicamente en la música. Por primera vez en la historia de la música los medios electrónicos, que se van desarrollando debido al gran avance de la tecnología, serán incluídos en las composiciones. Los instrumentos tradicionales serán desplazados por otros instrumentos de nueva creación, que se congregarán en el laboratorio musical y más tarde en la computadora.
En este terreno encontraremos una rebelión contra la armonía: ruptura de la música tonal
que ya a comienzos del siglo XX, es más a fines del siglo XIX se empieza a evidenciar, con el
dodecafonismo. Allí encontramos una liberación de las funciones armónicas.
Incluso se incorporan grafías no tradicionales para expresar por escrito las diferentes creaciones
musicales. La utilización de las nuevas grafías se da porque en la escritura tradicional no existían símbolos
para los nuevos materiales sonoros. Algunos ejemplos de las grafías alternativas:

Los avances tecnológicos en el siglo XX permitieron a los compositores utilizar medios
electrónicos para producir sonidos.

A su vez la géstica de los directores cambiará para ajustarse a las nuevas obras

Músicos de la segunda mitad del siglo XX

Músicos de la segunda mitad del siglo XX

Pierre Schaeffer

                                                                                Edgar Varese

Karlheinz Stockhausen

                                                                                                                                      Mario Davidovsky

                                                                                                           John Cage

 En Francia se desarrolló la música concreta escuela que producía música incorporando sonidos que no pertenecían exclusivamente al mundo musical proporcionando así una mayor riqueza tímbrica a las obras.

Se llama concreta porque según Pierre Schaeffer, su inventor, planteaba que está producida por sonidos generados a partir de objetos concretos,  que luego se editan y mezclan explorando nuevas tímbricas
El primero que dispuso de esos medios fue Edgar Varese, quien presentó Poème électronique en 1958.

En Alemania en cambio la forma se usar la tecnología se llamó música electrónica,
que es aquella que utiliza solamente sonidos producidos con medios electrónicos.
Un ejemplo de ello: El canto de los adolescentes de Karlheinz Stockhausen de 1956.

En EE. UU., Milton Babbitt usó el sintetizador RCA Mark II para crear música.

Otros compositores abandonaron los instrumentos convencionales,
y usaron cintas magnéticas para crear música, grabar sonidos, y manipularlos de
alguna manera. Hymnen (de Stockhausen), Déserts (de Edgard Varése) y
Sincronismos (de Mario Davidovsky) son ejemplos de ello.
Esta posibilidad tomó muchas formas: algunos compositores simplemente incorporaron
instrumentos electrónicos dentro de piezas relativamente convencionales.
Olivier Messiaen, por ejemplo, usó las Ondas Martenot en cierto número de trabajos.
Oskar Sala (foto: Oskar Sala trabajando con el trautonium.) creó la pista no musical para la película Los pájaros (de Alfred Hitchcock)
usando el trautonium, un instrumento electrónico que él mismo ayudó a desarrollar.

Otros compositores como Luigi Russolo, Mauricio Kagel y Joe Meek también aportaron a la investigación y exploración de la música electrónica.

John Cage (1912 Los Angeles - 1992 Nueva York) es uno de los compositores vanguardistas estadounidenses más célebres del siglo XX, sobre todo porque parte de su esencia personal, de ese estilo que adopta un artista y que con el tiempo termina identificándolo desde casi cualquier ámbito que se le considere, fue una lúdica transgresión de lo establecido, un voluntad creativa oscilante siempre entre el genio y la broma, una especie de bufón shakesperiano que ofreció obras ambiguas ante las que el gran público no supo reaccionar si con una gran risotada de complacencia, un gesto de disgusto por haber sido defraudados o timados, la aprobación de los entendidos o el discreto asentimiento de los iniciados.

En este sentido, no es casualidad que la pieza más conocida de Cage sea 4’33”, esa radical exploración sobre la presencia del silencio en la música e incluso sobre la esencia complementaria de la nada en la existencia, conceptos ambos que, 4’33” lo demuestra, es imposible alcanzar y conocer en su grado absoluto. Del primero siempre habrá murmullos, respiraciones, la sutil fricción de un cuerpo contra el asiento, que solo por ocurrir ocupan su lugar en una azarosa y siempre cambiante partitura del instante; del segundo, de la nada, su imposibilidad queda de manifiesto justamente porque el vacío es solo ilusorio: apenas se le plantea, ya comienza a llenarse por el atenuado, cansino transcurrir del mundo.

Olivier  Messiaen (Francia 1908 - 1992) Fue traductor de Shakespeare. Organista de la Iglesia de la Trinidad de París. A partir de 1942 fue profesor en el conservatorio de dicha ciudad. Entre sus alumnos figuran P. Boulez, Stockhausen y Xenakis. De la tradición Francesa de Debussy y Ravel surgen sus obras de gran colorido y fuerza contienen evidencias de catolicismo propias de la forma de pensar del autor.